martes, 29 de noviembre de 2016

El Cavernicola Analógico: ELP Japan, tocadiscos de vinilo con aguja láser.

El Cavernicola Analógico: ELP Japan, tocadiscos de vinilo con aguja láser.


Los antiguos discos de vinilo siguen siendo preferidos por los amantes de la Alta Fidelidad [HiFi] y también por los que hacen música mezclando diferentes porciones. El gran problema es el deterioro y posibilidad de rayones que ocasiona la aguja lectora, y pues eso ahora queda en el pasado.

ELP Japan, una compañía japonesa presenta un tornamesa [vulgo tocadiscos] para discos de vinilo, donde la aguja a sido sustituida por un haz láser, conservando la alta fidelidad del disco de vinilo, sin los inconvenientes de saltos, o rayones. La lectura sigue siendo analógica, ya que la fuente de audio es análoga y el láser solo convierte en señales eléctricas de diferente intensidad [lo mismo que la aguja convencional] las variaciones en la superficie del disco [los surcos]. En un CD-Audio/DVD-Audio la fuente de sonido ya viene digitalizada, con lo que el láser solo recaba variaciones de voltaje correspondientes a los unos o ceros, mientras en este caso del vinilo, la variación de voltaje es mas sutil con diferentes grados obteniéndose la información directa del audio.


Demostración.
https://www.youtube.com/watch?v=S7qcTNVnggg


Una ventaja; a la cual ya estamos acostumbrados en los CD/DVD-Audio; es que se puede 'saltar' a las diferentes pistas [tracks] de manera instantánea, así como adelantar [forward search] un tramo de la pista.

Y cosa curiosa, esta compañía japonesa esta utilizando una patente occidental de los años 70´s la cual no prolifero en su tiempo quedando olvidada... hasta hoy.

Pagina de la compañia: http://elpj.com/
Fuente original: http://www.elotrolado.net/hilo_el-cavernicola-analogico-elp-japan-tocadiscos-de-vinilo-con-aguja-laser_2095012_s20



DJ Sneak: "Si nunca en tu vida has tocado un maldito vinilo, no eres un DJ"

DJ Sneak: "Si nunca en tu vida has tocado un maldito vinilo, no eres un DJ"
por Teo Tormo


DJ Sneak actualmente es una de las figuras más respetadas del House , pertenece a la "segunda ola" de productores y DJs de House de Chicago –aunque nació en Puerto Rico– y a finales de los 90 ya se le consideraba como uno de los productores de House más importantes de EEUU. Además de por su trabajo, es conocido por defender a ultranza el vinilo y lanzar mensajes en redes sociales contra las nuevas tecnologías. En el pasado ya fue conocida su metedura de pata al tragarse y celebrar por todo lo alto una falsa noticia de la publicación satírica Wunderground en la que se anunciaba que Native Instruments retiraría la función Sync de Traktor.

En una entrevista reciente para Pioneer Radio  DJ Sneak volvió a defender "lo genuino" a capa y espada, mostrando su preocupación por como la tecnología ha afectado a la escena actual cargando contra todos aquellos que no han usado nunca el vinilo. Un resumen de sus perlas:

    "Los DJs de ahora crean cero sentimiento [...] En los últimos 20 años mientras la tecnología era introducida y las cosas empezaban a ir más rápido, incluyendo los iPhone y cosas así... eso también separó... había como una brecha que no se realmente cómo ocurrió, en la que los chicos ya no se preocupaban más del oficio. Sólo querían ser famosos, populares, querían hacer lo que fuera para estar detrás de los platos frente a un millón de personas, ¿entiendes lo que digo? Ellos evitaron... se saltaron cosas para intentar llegar a ese nivel [...] el camino correcto es: si eres DJ debes aprender a mezclar con platos primero, si nunca en tu vida has tocado un maldito vinilo no eres un DJ. No me importa lo grande que seas delante de un millón de personas, si no has tocado un vinilo, y lo has mezclado y creado algo con eso, en mi opinión no eres un DJ."

Sus declaraciones no dejan de aparecer en bastantes medios especializados y las respuestas no han parado de llegar, desde gente que piensa exactamente como Sneak hasta los que creen que posturas como la suya actualmente están fuera de onda y las habilidades necesarias son otras muchas. Y obviamente esperamos que nos contéis vuestras impresiones en los comentarios: ¿pensáis que la tecnología ha empobrecido la calidad de los DJs actuales? ¿posturas como las de DJ Sneak deben tenerse en cuenta porque trata de mejorar la escena o simplemente es su forma de llamar la atención?
La superproducción, el gran problema del vinilo.

La superproducción en cortos periodos de tiempo resta calidad al acabado de los discos.
Por Ignacio Galindo




La industria de la música está de enhorabuena. Cuando parecía que había llegado el ocaso del formato físico, ha vuelto a cobrar interés uno de sus hijos pródigos: los discos de vinilo. Actualmente se están comercializando no sólo en tiendas de música, que por desgracia ya quedan pocas, sino también en grandes superficies e incluso tiendas de ropa. Ahora tener un vinilo es cool y comprarlo se ha convertido en moda, y como consecuencia, las ventas se han triplicado.

A los coleccionistas de siempre no les parece del todo mal. Ahora hay más variedad de lanzamientos y son más fáciles de conseguir. Se puede llegar a entender que este auge haya llegado con el uso del streaming y los MP3 de mala calidad, algo que le restaba magia a la escucha.

Sin embargo, dentro de este alzamiento se esconden problemas que podrían tener consecuencias desastrosas para la cultura popular, y no por ello conviene ocultarlas. La producción de vinilo en todo el mundo está operando muy por encima de su capacidad, sin los materiales idóneos, y con un conocimiento poco experto. Además la utilización de equipos anticuados está generando diferentes problemas de calidad.

Los verdaderos expertos hablan

Los sellos independientes de música electrónica que han sobrevivido las dos últimas décadas -centrándose en el vinilo en un momento en que el CD dominaba el mercado-, han sido los encargados de sacar a la luz los inconvenientes del nuevo boom del vinilo.

Thaddeus Herrmann, experimentado músico alemán de electrónica, además de editor de la web cultural alemana, Das Filter, explica las características de este caso y cuáles son los problemas reales del formato. Lo que viene a ser en resumen: las dificultades de supervivencia del disco de vinilo de buena calidad.

En 2013, importantes figuras empresariales de la industria discográfica visitan Optimal Media, una de las plantas más grandes de prensado de Europa, donde se produce tanto en CD, como en DVD y vinilo.

Esta reunión fue pensada no sólo para cuidar las relaciones de negocios, sino también para inaugurar las nuevas prensas de vinilo de la empresa. Fue donde empezó a surgir la duda sobre su calidad.

“Realmente pensamos que las nuevas máquinas iban a liberar la presión de nuestra producción” -comentaba Jens Alder, del sello berlinés Morr Music– “Sin embargo, después de la reunión todo empeoró.” A pesar de que las máquinas habían sido restauradas adecuadamente, una cosa no fue considerada en la planificación. La alimentación de gas no tenía la suficiente fuerza para abastecer correctamente a todas las prensas. Este problema se alargo durante meses. Mientras tanto, los retrasos en la producción de vinilo sólo aumentaron”.

El problema radica, en que las empresas que nunca dejaron de sacar los discos de vinilo, y las que salvaron la infraestructura de producción de la bancarrota, ahora se ven atrapadas en una industria altamente competitiva. Están intentando situarse en el mercado, pero hay pocos fabricantes y son insuficientes para satisfacer la demanda. Sin embargo, el elemento fallido no es asegurar la capacidad de las plantas de prensado. El problema está en asegurar la calidad del proceso de producción.

Los problemas que surgen del proceso

Al contrario que el CD -que en su mayor parte se produce de una manera completamente automatizada-, la cadena de fabricación de vinilo se divide en muchos pequeños pasos. Es complicado y requiere mucho trabajo a mano, tanto en la planta de prensado real como en el siguiente proceso de producción.

Los fabricantes han visto como el negocio ha crecido en las últimas décadas, pero no se han llevado a cabo las inversiones necesarias, y por esta razón las empresas y músicos de hoy en día, necesitan un máximo de cuatro meses para producir un disco de vinilo. Incluso cuando se trabaja tres turnos al día durante toda la semana, las instalaciones de producción no pueden entregar de manera óptima.

“El problema es el siguiente”, explican desde Silke Maurer de Handle With Care, una de las mayores agencias de producción de registros, que coordina la producción de grabaciones para numerosas empresas, tanto en vinilo como CD. “En los últimos cuatro años, la producción de vinilo casi se ha duplicado aquí. Eso suena estupendo, pero hay que echar un vistazo más de cerca a cómo los números se unen. En el mismo plazo, la producción industrial de un título se ha reducido casi a la mitad. Eso significa más trabajo para la prensa. Las máquinas tienen que ser reconfiguradas con más frecuencia, lo que lleva mucho tiempo. Pero el problema real no es en el prensado, el problema está en la galvanoplastia”.

La galvanoplastia es un proceso que implica el revestimiento de laca en una capa de metal. Es mucho tiempo y requiere personal altamente capacitado. Los que han aprendido galvanoplastia todavía están muy lejos de poder preparar la laca – el largo proceso requiere una gran cantidad de experiencia y conocimientos-. Sólo así se puede garantizar que la música suene como se supone debe sonar. Tiene que ser un proceso correcto y rápido.

“La producción de vinilo es en realidad un negocio muy lucrativo, por lo menos eso fue el caso en el pasado”, dice Maurer. “El margen es alto y las máquinas son viejas. Mientras el volumen de producción se mantuvo igual en su mayor parte, eso fue todo. Debería haber habido nuevas inversiones mucho antes, especialmente en galvanoplastia “.

De hecho, la visita a una planta de prensado ofrece una extraña estampa. Las máquinas parecen haber sido tomadas directamente de un museo. Son ruidosas, todo está estrecho, el ambiente es sofocante. Cada 30 segundos las prensas escupen un nuevo disco.

 

Desprecio al vinilo. Alabado sea el CD

Todavía hay tres grandes plantas de prensado en Alemania: Optimal, Pallas y RAND, además de GZ en la República Checa, y MPO en Francia. Aparte de esto, el paisaje de la Europa continental se convierte en un elemento bastante confuso.

Muchas plantas de prensado independientes cerraron a finales de 1980 y principios de 1990, debido a la falta de pedidos. Y las grandes discográficas que poseían en su mayoría sus propias prensas, arbitrariamente desecharon las máquinas con el fin de ayudar al triunfo del disco compacto. La introducción del CD en el comienzo de la década de 1980 fue un milagro económico hecho a sí mismo. El desarrollo del nuevo formato suponía una compensación a la inversión en un plazo relativamente corto, por lo que éste fue vendido a precios inflados en los primeros años. “Digital” fue entonces la palabra mágica, pues las discográficas podían vender todo su catálogo por segunda vez y con una supuesta mejora en el sonido, sin rasguños, jugando más con la duración de los discos. Y en un formato más práctico, más pequeño.

Hubo una fiebre del oro en Sony y los otros mayores, y es difícil evitar la sensación de que las empresas están tratando de vender su archivo por tercera vez. Esta vez a los compradores de mediana edad, que pueden aún pueden recordar la compra de vinilo en los inicios de su pasión y que, naturalmente, más tarde cambiaron al CD. Vendieron o tiraron su viejo vinilo, y no están completamente satisfechos con lo que hoy en día el streaming les ofrece.

Forzando la máquina

Existe el rumor de que las grandes empresas están comprando a las más importantes fabricas de vinilos, creando una reserva que impide que todos luchen en las mismas condiciones en este auge. Si este es el caso -y las plantas de prensado se puede negar a fabricar en algunos casos- significaría que las grandes empresas de la industria discográfica, están tratando de comprar el camino en una industria en la que jugaron un papel importante para su destrucción. Y por el camino matan de hambre a esos sellos independientes, a las mismas compañías que nunca abandonaron el vinilo.

En el Record Store Day, cuando las tiendas están llenas de nuevos discos fabricados especialmente para la ocasión y los clientes esperan esas ediciones limitadas, las plantas de prensado ya han tenido duras semanas de trabajo para llegar a esa fecha. ¿Quién sabe cuántas máquinas fueron forzando la marcha en lugar de una conservación y reparación adecuada? Nadie tiene tiempo para tomar un respiro. Las próximas versiones ya están a la espera, y las máquinas siguen funcionando a un ritmo vertiginoso.

Pero el proceso de producción de vinilo no sólo se ralentiza por las plantas de prensado – hay muchos pasos antes de que se pulsa un registro que también están sujetos a las complicaciones. “El problema es la monopolización”, dice Andreas Lubich, un ingeniero y experto en el dominio de vinilo de Berlín. “Actualmente hay muchos estudios de masterización buenos que preparan música para vinilo y también se ocupan de los propios grabación. Pero las máquinas de corte son viejas y tienen que utilizarse con mucha atención. Las piezas de repuesto son raras, y los precios de mercado de segunda mano son insondables. Sólo un puñado de personas puede repararlos y para ello hay que buscarlos por todo el mundo. Una duración de tiempo importante. En el peor de los casos esto significa que una máquina se encuentra inactiva durante muchas semanas “.

El problema comienza antes de eso. “Sólo hay dos empresas en el mundo que producen lacas. Una de estas empresas es una operación de un solo hombre en Japón, dirigido por un viejo que produce las lacas en su garaje. Son de excelente calidad, pero quién sabe cuánto tiempo más podrá hacerlo, y sobre todo si va a querer seguir haciendolo. Cuando estamos en contacto con él, se intentan ordenar tantas lacas como podamos con el fin de abastecerse tanto como sea posible. La otra empresa está en los EE.UU., y sirve una gran parte del mercado. Es prácticamente un monopolio. Cosa que nunca es buena para los negocios”.

Luego están las máquinas de corte. Las más populares y conocidas fueron las desarrolladas en Alemania por Neumann, y se produjeron hasta principios de 1980. Para operar estas máquinas es necesario un llamado stylus, que esculpe la ranura en la laca para almacenar la música en el disco. “Hoy en día, estas agujas son producidas por una empresa en todo el mundo”, dice Lubich, “por Apolo en los EE.UU., donde también se hacen las lacas.”  Por otro lado, sólo una mujer, María, fue la responsable de toda la producción de agujas. Había dominado el proceso a la perfección. “María sabía exactamente qué adhesivos eran los correctos, y que no podía usar las grandes cubas, porque la consistencia del adhesivo cambiaría. Luego se retiró, y durante mucho tiempo las agujas no tenían tanta calidad. “

Su sucesor tuvo que adquirir unos conocimientos muy especializados paso a paso. Los ingenieros que cortan el vinilo en todo el mundo sufrieron las consecuencias. “Un lápiz óptico de baja calidad tiene repercusiones directas sobre el sonido de un disco”, dice Lubich. Los proveedores también están causando una ralentización del proceso, porque los gránulos de vinilo – la materia prima para la fabricación de discos -, sólo son producidos por cinco empresas.

Lo que era una práctica común en la música de baile hace unos años – para poder apagar un 12″ en un instante – es ahora prácticamente imposible. Si una pista tiene éxito, tendrá que ser reprimida rápidamente con el fin de satisfacer la demanda. Lamentablemente, esto ya no es posible. “Eso tiene muchas consecuencias”, dice Jens Alder de Morr Music. “Por un lado, hay que estimar mejor lo que debe ser el plazo de vinilo. Pero eso es completamente imposible. Por otro lado, el vinilo ahora determina nuestro calendario de lanzamientos entero. Sólo podemos tener una fecha de lanzamiento concreta cuando tenemos frente a nosotros un prensado ​​de prueba, y el artista debe tener también el suyo”.

Presente y futuro de la industria del vinilo

La industria de vinilo ha sido siempre profesional, pero en un nivel menor de producción. Los problemas fueron atendidos a través del contacto directo entre la planta y el cliente. La falta de capacidad y producción sólo se convirtió en un problema cuando ciertas compañías, que habían sobrevivido muy bien sin el vinilo, redescubrieron el formato para sí mismos.

Las plantas de prensado asumen que la situación se aliviará en los próximos años. El auge del vinilo se desplomará, y entonces la producción se verá normalizada. La publicidad que rodea las reediciones, que parecen ser responsables de una gran parte de la situación actual, no tiene una cola larga. El daño colateral se verá en las empresas, y artistas no verán de vinilo como un símbolo de estatus o como una máquina de imprimir dinero, sino como el mejor formato para su música.

Uno de los pasos en el proceso de producción fallará eventualmente. Y si esto sucede es porque una industria entera está ocupada en la fabricación de ejemplares para los mercadillos y tiendas de segunda mano en el futuro. Algo que desgraciadamente, no debiera ser el fin adecuado para el disco de vinilo.

Artículo originalmente publicado en Das Filter. Traducción por Juan Rubio. Fotografía por Maxwell Schiano.

Por un puñado de vinilos: Historia y leyendas de la afrocolombia musical

POR UN PUÑADO DE VINILOS: HISTORIA Y LEYENDAS DE LA AFROCOLOMBIA MUSICAL


Como si de un Mississippi previamente macondizado se tratara, el río Magdalena ejerce de auténtica espina dorsal de la música de Colombia, y como ocurre con los Blues y la Roots music en el caso del mitológico Delta de aquel otro curso fluvial, sus meandros alargados se encargan de administrar también el tempo de las numerosas leyendas y efemérides que enmarcan un legado sonoro enriquecido por la amalgama de tradiciones indígenas, africanas y europeas que se van deslizando junto con la corriente, hasta alcanzar finalmente el litoral del Caribe y su fértil punto de encuentro con la experiencia afro-colombiana. Desde su nacimiento al Este de los Andes, el Magdalena va señalando la genealogía, sincrética y pujante, de las músicas de la República: en sus 1.400 kilómetros de recorrido Sur-Norte, va dejando atrás a izquierda y derecha ciudades como Cali (“la capital mundial de la salsa”, en opinión de sus orgullosos vecinos), Medellín (sede de un sello esencial como Discos Fuentes, la Motown o Blue Note de esta peripecia mágica), o la capital Bogotá, hasta penetrar en la sabana que atraviesa pausadamente, en dirección al corazón mismo de Afrocolombia, la región de los costeños, donde la herencia espiritual de los descendientes de esclavos obra milagros musicales de forma cotidiana, iluminando ciudades tan cargadas –todavía hoy- de energía vudú como Cartagena de Indias o Barranquilla, además del cinturón de localidades más pequeñas entorno a la desembocadura del río, comunidades agrarias y ganaderas cuyos nombres mismos evocan el alumbramiento  original de la cumbia, el vallenato y demás especialidades locales: Majagual, Soledad, Santa Marta, Baranoa, Mompós, San Jacinto, San Basilio de Palenque…
Así, un abigarrado microcosmos de estilos, géneros y las correspondientes variaciones, infatigables en su promiscuidad (Porro, Gaita, Bullerengue, Puya, Mapalé, Fandango, Son De Negro, Terapia, Paseo, Tambora… la lista sigue y sigue) jalonan, junto a esos reconocidos hermanos mayores que son Cumbia y Vallenato, el devenir de una algo más que exitosa fusión. Un híbrido mutante que creció y creció, apoyado en el brillo armónico del acordeón llegado de Europa -la lujosa fantasía costeña los imagina arribando a las playas procedentes de algún calamitoso naufragio: purito Gabo en forma y fondo-, la rica familia de los instrumentos de viento autóctonos, y el latido hipnótico de la percusión que había cruzado el Atlántico con los individuos arrancados a Mamá África durante siglos de comercio esclavista. Esos elementos tan diversos, interactuando en menor o mayor grado con la idiosincrasia del folclore sabanero y sus heterogéneas raíces, ya habían favorecido un primer golpe de crecimiento en la música popular colombiana para cuando, a principios de los años cuarenta, Don Antonio Fuentes, empresario metido a disquero, comienza a lanzar desde Cartagena las primeras referencias de lo que acabaría siendo un emporio discográfico de primera magnitud, el ya mencionado sello Fuentes. Tras su marcha a Medellín –desde donde seguirá supervisando las sesiones de grabación que se realizan en la costa-, es su hermano


Curro el que sostiene el testigo dinamizador de una escena en la que coexistieron, sin aparente fricción, sofisticados músicos urbanos (Lucho Bermudez, Alex Acosta, Crecencio Camacho)  y talentos intuitivos, provenientes del mundo rural (Michi Sarmiento, Lisandro Meza, Andrés Landero): Discos Curro y sus subsidiarias editarán durante los años sesenta fantásticas muestras de big band cumbia y otros formatos ya clásicos, mientras las nuevas corrientes de la música latina provenientes de Nueva York, germinan en suelo costeño con unos resultados artísticos espectaculares (Los Super Swing, entre otros muchos), que ahora podemos evaluar con suficiente perspectiva para afirmar, sin tapujos, que en muchos casos tutean a los logros equivalentes de Fania Records y la gran escuela nuyoricana de los años dorados de la salsa.

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En paralelo, una revolución cultural en marcha buscaba su inspiración mirando al continente africano: los discos congoleños, senegaleses, nigerianos… que trajeron hasta el Nuevo Mundo los poderosos aromas del Afrobeat, el Soukous y el Mbalax (influenciados a su vez por los sonidos clásicos afrocubanos, en un diálogo transoceánico ininterrumpido hasta la actualidad), causan sensación por igual entre los productores, disc-jockeys y bailadores del litoral afro-colombiano. Incluso el gran Julio Estrada, director de la banda de músicos de sesión habitual de Discos Fuentes, y estrella salsera del venerado sello como líder de Fruko Y Sus Tesos –la portada de A La Memoria Del Muerto (1972) resulta tan brutal como honesta, un clásico del hiperrealismo gansta, lustros antes de la aparición en nuestras vidas de N.W.A.-  se apunta al fenómeno en plena efervescencia, grabando con el seudónimo de Wganda Kenya algunas de las mejores y más tórridas versiones conocidas del repertorio de Fela Kuti, mientras añade el sintetizador en la mezcla (¡Cumbia En Moog!) y alimenta la fantasía de la siguiente generación de músicos costeños, que ya sembraban las bases para el asentamiento definitivo de los picós (del inglés pick-up, tocadiscos), esos extravagantes soundsystems masivos, decorados con la habitual exhuberancia de los lugareños, y de cuyas competiciones se habla como parte integral de la experiencia de concienciación afro que sacudió a la sociedad costeña desde los setenta para acá.


En 2007, el coleccionista tunecino-alemán Samy Ben Redjeb aterrizó en Cartagena cargado con unos 200 singles y 100 elepés de música africana de los años setenta, que esperaba canjear por rarezas colombianas de similar pedigrí. Lo que encontró, le dejó asombrado: la cadena alimenticia de los picós se sustentaba en una competencia feroz, y los DJ’s más veteranos aún seguían manteniendo un militante secretismo sobre los nombres de los artistas, los títulos y la procedencia de sus exóticos llenapistas de una, dos ó tres décadas de vigencia… Con la aparición de un cargamento discográfico repleto de clásicos africanos, difundido transversalmente entre aficionados salsómanos, y champeteros aspirantes a derrocar a la vieja guardia, arrojándolas, siquiera metafóricamente, de sus cabinas-trono, Ben Redjeb estaba contribuyendo a romper, sin saberlo, un status quo largamente asentado, preservado por los que de él disfrutaban con celo talibán, y que ahora se veía expuesto a la desnudez del conocimiento compartido por segundones. Y de esta manera, durante una competición en la que los DJ’s ya usaban el acopio de “novedades” que él había aportado a la escena, el dueño de Analog Africa pudo comprobar de primera mano el nivel de importancia que este tipo de cosas adquieren en Cartagena de Indias, aún más cuando la cerveza y el aguardiente corren durante toda la noche: caras largas que no anticipaban nada bueno.


Tras regresar a Frankfurt, feliz como un niño con su montón de vinilos colombianos, el incauto viajero iba a recibir una llamada que, en castellano reconociblemente costeño, le aconsejaba no regresar nunca al Caribe colombiano, al menos no con más discos debajo del brazo, so pena de acabar en manos de algún malo-más-que-malo, especializado en hacer desaparecer a los visitantes incómodos (la amenaza no surtió efecto del todo, y después de hablar con sus contactos en Colombia, Samy ha continuado regresando al país en busca de nuevos tesoros ocultos por reivindicar…pero, eso sí, sin canjearlos por más música africana: en ciertas cuestiones, mejor no tentar al destino). Es el tipo de anécdotas que nos hablan a las claras de cómo, en la patria de Francisco El Hombre y demás leyendas proteicas, música y vida continúan yendo tan de la mano.


Gracias a Fabián Altahona, Roberto Gyemant, Hugo Méndez, Miles Claret, Will Holland y Samy Ben Redjeb, por su pasión genuina y la generosidad a la hora de compartir conocimientos.

 Por: ©LUIS AVIN FERNANDEZ / MERCADONEGRO 2014 

Fuente original: http://enlacefunkextranet.blogspot.mx/2014/12/por-un-punado-de-vinilos-historia-y.html

Cavanzo y la fábrica de vinilos

Cavanzo y la fábrica de vinilos


Una de las cuatro prensadoras de LPs que hay en Latinoamérica está en Colombia. Visitamos la fábrica de Henry Cavanzo, la cual podrá prensar más de 14.400 discos de 180 gramos a la semana. Cada vinilo costaría unos 30.000 pesos. ¿Podremos entonces comprar ediciones nacionales a un precio justo?

Por Sebastián Aldana Romero

En 1990, todas las prensas de vinilos que había en Latinoamérica fueron desmontadas. En Colombia, Discos Fuentes y Codiscos, las más importantes empresas discográficas del país —ambas de Medellín—, dejaron de producir acetatos. Sony, Sellos Vergara, Fondo Musical y Disonex siguieron el mismo camino.

Había llegado el CD. 

Se dice que Discos Fuentes, fundada por Antonio Fuentes en 1934, le cedió toda la maquinaria a Discos Victoria, también localizada en Medellín. Sin embargo, 28 prensadoras de color verde, aún con sellos de aquella casa discográfica en el stamper, permanecieron casi una década en el garaje del papá de Henry Cavanzo: el músico de orquesta Germán Carreño, a quien le encargaron la labor de vender todas las maquinas de Discos Fuentes, llamó en 1990 a su buen amigo Henry y le pidió el favor de guardar las prensadoras.

Cuando Carreño apareció, siete años después, le dijo a Henry: “No, hermano, todo eso ahí arrumado. Les debo mucho tiempo de arriendo”. Su intención en ese momento era reinstalar la planta, pero al final se vio obligado a venderla en el Ricaurte por aproximadamente 200 millones de pesos (lo que valen 50 toneladas de hierro, el peso de todo aquel aparataje).

Solo quedaron dos prensadoras: Germán, para saldar la renta atrasada, se las dio a Henry; las mismas dos máquinas que nos muestra en este momento a mí y al fotógrafo que me acompaña.

Estamos haciendo una suerte de tour por la casa de Henry, ubicada en el barrio Santa Isabel. Primero vamos a HC Records, en el segundo piso, que solía ser la habitación de sus papás. Luego pasamos a un cuarto contiguo, en donde queda una sala de ensayos. Su hijo, Henry Andrés, recién acaba de finalizar su práctica de batería. Finalmente, bajamos al primer piso, en donde Henry ha pasado noches enteras los últimos seis años arreglando una de las máquinas con las que Germán Carreño le pagó siete años de arriendo atrasado.

Henry nos enseña paso a paso cómo funciona la prensadora y efectivamente sobre el stamper aún hay un sello de Discos Fuentes. ¿Cómo habrán llegado estas prensadoras hasta aquí? Me parece que ni siquiera Henry conoce toda la verdad. Él, sencillamente, las aceptó y ahora desea protagonizar una historia llamada “Henry y la fábrica de vinilos”.


    "28 prensadoras de color verde  permanecieron casi una década en el garaje del papá de Henry Cavanzo"

Casualmente, las prensas que Carreño vendió en el Ricaurte fueron a dar a un taller chileno de carros ubicado justo detrás de la casa de Henry, quien se enteró apenas hace dos años. Pusieron las máquinas a hacer bandas para frenos. Pero los dueños del taller compraron en Ricaurte solo el esqueleto de las prensas. Un día Henry abrió el garaje y uno de los señores que trabaja en el taller vio la máquina y le dijo: “Hermano, eso se parece a unas máquinas que yo tengo allí detrás. ¡Véndamela! Le doy un millón de pesos por cada máquina”. Por la cabeza de Henry pasó algo como: “Ni en sus sueños, mijo”.

Durante 20 años, Henry tuvo miedo de un rumor que le había contado un anciano que trabajaba en Discos Fuentes, para quien las 28 prensas, la consola de masterización, de corte y contorno, y la planta de galvano fueron adquiridas por el narcotraficante Justo Pastor Perafán durante un viaje a Holanda (1990). En esta versión de la historia Germán Carreño también aparece, pero como asesor musical del ex capo colombiano. Supuestamente Perafán compró todo lo que había en la planta holandesa de vinilos: muebles, sillas, parlantes, audífonos… En pocas palabras y, según esta historia, el narco compró a puerta cerrada y se trajo toda la maquinaria en barco. Pero Henry duda de este cuento.

En un principio, Henry pensó usar las prensas como troqueladoras para hacer hebillas de zapatos y cinturones, pero durante una gira con Totó la Momposina (Cavanzo en el bajo), cambió de parecer. Estaba en Francia, en un festival, y tras la presentación fue en busca de un tamal o un pollito asado; él había escuchado que el evento había incluido gastronomía colombiana. Fue en ese momento cuando vio, en uno de los muchos stands que había, acetatos nuevos, cubiertos con celofán. Preguntó cuánto costaban y le respondieron que 30 euros. “¡30 euros!”, gritó él porque le parecieron baratos.

—Mi mentalidad cambió de inmediato —asegura Henry—. Entendí que los discos en vinilo nunca pasaron de moda. Me le entregué a la máquina, hermano. Yo no dormía de la fiebre tan tenaz, de la goma, ¿si me entiende? Me acostaba a las diez de la noche y a las dos de la mañana ya estaba de pie, pensando en la máquina. Empecé a descubrir cada arteria, tendón y hueso de la prensa.

Henry decidió dedicarse únicamente a arreglar una de las dos prensas. Pero se dio cuenta de que la máquina escogida estaba oxidada por dentro. El óxido, prácticamente, se había convertido en hierro. Le dijeron: “Mande a hacer nueva esa vaina”. Él se resistió y durante seis meses regó Coca-Cola —sí, Coca-Cola— sobre la zona corroída, hasta que logró destaparla. Antes había hecho pruebas con ácido muriático, Diablo Rojo, pero lo único que sirvió fue la Coca-Cola. Y uno que se la toma a pecho con tanto gusto.

Las máquinas, una vez estén al cien por ciento, van a poder prensar 4 vinilos por minuto: 2.880 mil discos si se piensa en una producción de doce horas. Henry ya negoció la materia prima, la cual importará desde Ecuador. Pretende producir discos de 180 gramos; de menor calibre, según él, sería una chambonada. Un disco, en un cálculo relámpago de Henry, puede costar al público unos 30 mil pesos. Piense ahora usted: ¿cuánto vale hoy un LP nuevo de su banda favorita?
"Me le entregué a la máquina, hermano. Yo no dormía de la fiebre tan tenaz, de la goma"

Este hombre aún no sabe cuál va a ser el primer acetato que va a prensar. Lo que sí tiene claro es que ya hay 80 mil discos por producir. Curiosamente, de Discos Fuentes ya le hicieron un pedido. Henry cuenta que son las bandas jóvenes las que hacen pedidos en grandes cantidades. “El vinilo es algo novedoso para las nuevas generaciones”, explica.

—Mi problema, actualmente, es la falta de recursos para concluir. Tengo encima 11 países para que les produzca. Hace poco me enteré de que se están fabricando, a petición, 10 máquinas como la mía, con nueva tecnología. No le tengo miedo a eso, porque hay una diferencia: yo soy músico, productor, arreglista, instrumentista… Además, la gente del medio me conoce.


Para comprender todo ese amor —amor verdadero y no moda— por los vinilos, debemos conocer la vida temprana de Henry Cavanzo.

A los ocho años ya era guitarrista concertista y se ganaba algunos pesos tocando en tabernas nocturnas. A los once años estudiaba “cosas científicas”. Era adicto a comprar libros. Alguna vez un pariente lo llevó a conocer La Casa del Ingeniero, en el centro de Bogotá, y desde entonces nadie pudo sacarlo de ahí. Tenía la intención de fabricar un amplificador para su bajo y lo consiguió siguiendo los pasos sugeridos por La mecánica popular, revista mensual que coleccionaba con devoción.

Henry iba al colegio a calentar silla porque no le gustaba. Asegura haber sido muy adelantado entre sus compañeros y constantemente peleaba con los profesores. Estudió en el Instituto Técnico Central hasta tercero de bachillerato y se salió. Claudicó. Sus papás avalaron la decisión.

Aun así, Henry acepta que no todo se puede hacer de manera autodidacta. Cuando tenía 13 empezó a viajar con la orquesta Washington y sus Latinos (colaborando en el bajo). Continuó sus estudios leyendo la Teoría de la música Danhauser. Colaboró, además, en otras orquestas: La Máxima de Mañungo, la de Lucho Bermúdez, Totó la Momposina, la orquesta de los hermanos Rey. En 1973, hizo el contrabajo en una producción del dueto Silva y Villalba.

Henry Cavanzo, que ahora tiene 50 años, sigue siendo un hombre de música: es capaz de interpretar 30 instrumentos diferentes.

—En Latinoamérica, la gente no quería dejar el vinilo —cuenta Henry—. Era muy costoso comprar un equipo con bandeja de CD.

Una noche, durante un viaje a San Andrés con la orquesta de Lucho Bermúdez, decidió hacer doble turno tocando el piano para la banda con la que se turnaron el escenario. El billete extra que se ganó le sirvió para comprar un equipo con bandeja de CD, que también tenía tornamesa y casetera.

—La parte del CD no duró tres meses. Esa vaina sacó la mano. Servían las caseteras y el tornamesa. Pero como yo tenía buen material en acetato no hubo problema.

Para Henry el sonido del CD no es ni mejor ni peor que el de un LP; es diferente. Pero el ancho de banda que tiene el acetato no lo alcanza el CD. “Por más que el CD suba a 520.000 Hertz y de pronto a 128 o 192 bits, es imposible que el digital alcance el ancho de banda de un acetato… Tal vez en 100 años”.

Henry es partidario de que la tecnología no ha sido del todo beneficiosa. Él mismo se pregunta por qué está volviendo a surgir el vinilo. La primera edición de The Sound of Silence (1964), de Simon&Garfunkel, la cual hace parte de su colección de vinilos, aún sobrevive, mientras que un CD de Oscar de León que compró en los noventa ya ni siquiera existe porque un hongo le corroyó el nitrato.
"Se van a poder prensar 4 vinilos por minuto: 2.880 mil discos si se piensa en una producción de doce horas. Un disco puede costar al público unos 30 mil pesos. ¿Cuánto vale hoy un LP nuevo de su banda favorita?"

El año pasado le pidieron que recuperara un archivo en vinilo de 1930. Le entregaron los LPs en un talego. Henry empezó a lavar suavemente cada disco con un cepillo de dientes untado con jabón líquido. Luego los brilló con un poco de algodón untado de una mezcla de grafito y una cera especial.  Cuando tuvo el primero listo, lo colocó en su tocadiscos de 78 revoluciones (su más preciada adquisición) y empezó a sonar la voz de un locutor italiano (en esa época, los acetatos también eran una suerte de grabadora). Tras 76 años de vida, y unos ligeros retoques, esos discos antiguos que le encargaron recuperar siguen ahí, intactos.

Tras décadas de pasión por la música, de nuevos formatos y adelantos tecnológicos, el deseo de Henry de echar a andar su propia fábrica de vinilos sigue ahí, intacto.

Fuente original:http://cartelurbano.com/musica/cavanzo-y-la-fabrica-de-vinilos

Hot Stampers: ¿el mejor vinilo entre el vinilo?

Hot Stampers: ¿el mejor vinilo entre el vinilo?
por Teo Tormo 


Desde la pasada primavera se puso de moda –otra vez– hablar de los hot stampers. En realidad no son nada nuevo, pero se puso de moda volver a hablar de ellos ni más ni menos porque un par de medios publicaron artículos positivos al respecto de este tipo de producto, probablemente gracias a que una de las pocas tiendas de vinilos para audiófilos especializadas en hot stampers consiguió llamar la atención de esos medios con alguna de sus campañas de spam –en algunos foros de audiófilos los usuarios muestran sin ningún rubor esos correos no deseados con expresiones hiperbólicas como “blow your mind” y demás–, lo cual hizo resurgir el tema y hacerlo llegar más allá de los círculos en los que habitualmente se habla de estas cuestiones. Pero, ¿qué son los hot stampers?

Por explicarlo de manera rápida y sin entrar en demasiados tecnicismos, se trata de discos de vinilo que suenan notablemente mejor que otros aparentemente iguales –mismo artista, álbum, sello y edición– y no porque estén mejor cuidados o menos usados, el motivo es porque son las primeras copias realizadas con los mejores discos de estampado. El vinilo se fabrica mediante el prensado de pasta caliente entre dos “moldes” conocidos como discos estampadores, discos “negativos” de metal que deben reemplazarse aproximadamente cada 10.000-12.000 copias por el desgaste que tienen –o debería decir “debían reemplazarse” porque ya pocos artistas venden más que esas copias en vinilo–, y las primeras copias que se prensan tienen fama de sonar mejor que el resto de la tirada.

No todas las primeras copias de todos los discos de estampado suenan excepcionalmente bien como para considerarse hot stampers, ya que no todos los discos de estampado son iguales, ergo producen discos que no suenan igual. Hay también reediciones de discos para los que se emplean discos madre –con lo que se obtienen los discos estampadores– distintos realizados por ingenieros distintos, y aunque el proceso parte de la misma cinta máster, los discos de estampación que obtienen hacen que el disco suene totalmente diferente. ¿Cómo diferenciarlos? El año de edición suele ser un buen indicador para empezar a buscar, pero es demasiado masivo. Algunos vinilos tienen números de serie que indican los discos estampadores utilizados, otros no y se diferencian por marcas distintivas que el disco de estampación dejaba en los discos. Los expertos en cazar este tipo de material conocen estos indicadores y compran todos los discos en los que encuentran la señal que permite saber que el disco fue fabricado con buenos discos estampadores, después hay que limpiarlos bien empleando caros productos químicos y máquinas especializadas cuyo coste ronda los 7.000€. Y después obviamente hay que escucharlos para diferenciar entre los candidatos al disco “normal” del hot stamper, si es que has encontrado uno. Los expertos aseguran que si conoces el disco, el hot stamper se reconoce al escucharlo.

La tienda Better Records y su dueño Tom Port son los nombres más populares actualmente en el mundo audiófilo cuando se habla de hot stampers. Port ha tratado por todos los medios popularizar el producto que vende como un producto premium de sonido exclusivo, y convencer a sus clientes potenciales que por dicha exclusividad merece la pena pagar entre los 130$ que cuesta un hot stamper “normalito” y los 700$ que puede costar un white hot stamper, que es la denominación –de puro marketing– que dan a los discos de mayor calidad sonora. Emplean además un sistema de calificación por símbolos “+” para cada cara del disco. No todos los white hot stampers alcanzan esos precios, puedes encontrarlos por 250$ si es un disco con poca demanda o sencillamente no es un disco considerado especialmente bueno en términos musicales, con lo que los argumentos de que pagas un gran sonido y un proceso de selección se vienen un poco abajo ya que la ley de la oferta y la demanda entran en juego aquí también. Port afirma además que cualquiera de los discos de su tienda no sólo tiene el mejor sonido posible entre las ediciones originales, si no que es mejor sonido que el que pueda tener cualquier disco reeditado en los últimos años con técnicas modernas.

Port y su negocio, como todo lo relacionado con el mundo audiófilo, tiene adoradores detractores de todo tipo. Los que le adoran cuentan siempre historias similares: “era un poco excéptico hasta que le compré a Tom el disco XXXX y descubrí un nuevo mundo, ahora mi colección de hot stampers ya va por 100”. Entre sus detractores hay quien afirma que los hot stampers suenan ciertamente mejor pero están excesivamente sobrevalorados, hasta los que sencillamente le acusan directamente de timar pues las diferencias son prácticamente inapreciables o apreciables únicamente si tienes una sala de escucha como la que emplea el propio Port para cazar sus joyas, cuyo coste debe rondar los 40.000€. También la actitud “rupturista” de Port al expresar en entrevistas, foros y redes sociales su desagrado con el sonido de populares ediciones para audiófilos de algunos discos que son “canon” entre los propios audiófilos le ha valido no pocos enemigos que rotundamente afirman que rechaza esos discos porque simplemente son más baratos que los suyos y no le interesa que se vendan; pude leer una broma de alguien que afirmaba que la mejor manera de encontrar un disco con un sonido fabuloso era saber si Port lo ha rechazado.

Personalmente no tengo ni he tenido, ni he conocido a nadie con vinilos que pudieran contar con la calificación de hot stamper o que provengan de Better Records, así que no puedo opinar sobre este tipo concreto de producto. Sí que he tenido discos iguales de diferentes ediciones, y ciertamente he notado diferencias. Las diferencias son especialmente notables en alguna reedición moderna que no tiene nada que ver con la antigua y que proviene de una versión digital del master, y que para colmo ha sufrido un poquito la influencia del loudness war; aunque esto no es algo que ocurra siempre.

Y vosotros, ¿habéis podido realizar audiciones de este tipo de producto? ¿pensáis que los hot stampers son realmente un paraíso sonoro para los amantes del vinilo? ¿merece la pena pagar esos precios? ¿o simplemente es una jugada de marketing en donde el factor exclusividad y la capacidad de unos pocos por pagar mucho lo convierten en la jugada perfecta?

Fuente original: http://www.hispasonic.com/reportajes/hot-stampers-mejor-vinilo-entre-vinilo/40838


Chiapas subterráneo, rock en tzeltal, tojolabal, lacandón y chol, entre otros

Chiapas subterráneo, rock en tzeltal, tojolabal, lacandón y chol, entre otros
Editan disco de vinil, con Sak Tzevul y Aerokafka y más bandas


Portada de la producción realizada en vinil


De la Redacción

Periódico La Jornada
Martes 21 de diciembre de 2010, p. 9

En una exclusiva edición de vinilo negro, circula el primer álbum de Rutas del rock, Chiapas subterráneo, que fue presentado por Retroactivo, en una mesa de diálogo realizada en las instalaciones de la disquera, que forma parte del corredor cultural Roma-Condesa.

A instancias del radiolocutor chiapaneco Daniel Trejo Sirvent, compilador y responsable del proyecto, y de los entusiastas Alejandro Baeza y José Claudio Pérez Román, de Retroactivo Récords, se presenta como una alternativa al rock corporativo.

El primer volumen de Rutas del rock se integra con diez bandas de las diferentes latitudes del Chiapas underground, que se reparten un tema instrumental, siete canciones de rock en español y dos tracks cantados en lengua maya tzotzil.

Este rock se practica y se deja oír en San Cristóbal, el Cañón del Sumidero, Chapa de Corzo, Palenque, San Juan Chamula y Tuxtla Gutiérrez, entre otros.

En el disco tiene como representantes a Sateliza (Tapachula), Sak Tzevul y Lumatok (Zinacantán), Korzakov, Los Calovers, The Liquid Pistol Band y Antípoda (Tuxtla Gutiérrez), Aerokafka (Tuxtla y Ocozocoautla), Enki (San Cristóbal de las Casas) y uno de los grupos más famosos que cantan en tzotzil: Vayijel (San Juan Chamula).

No obstante, deben existir algunos otros grupos de rock desconocidos –por el momento– que, en "el subterráneo del subterráneo" chiapaneco canten en chol, tojolabal, tzeltal, mame y lacandón.

Los especialistas que analizaron el fenómeno del nuevo rock que se hace en Chiapas fueron el investigador y mánager de Lumal Tok, Ulises Fierro y Daniel Trejo, junto con dos representantes de las bandas incluidas en el disco: Héctor Severiano, cantante y guitarrista de Aerokafka, y Braulio Korsakov, guitarrista y voz del grupo que lleva su apellido.

El rock made in Chiapas es relativamente nuevo, pues desde el año 2007 Rutas del rock inició transmisiones en Conexión Rock (radio de Internet de la ciudad de México) y Suprema 64. Actualmente se transmite por Suprema 91 y la Red.

También, hace dos años, Eugenia León se ocupó del rock de Chiapas (en especial del cantado en tzotzil), en el programa Tocando tierra, que transmitió una primera temporada por el Canal 22. Se afirma que muy pronto se publicará un DVD.

El público asistente pudo así adentrarse en el trabajo de estos 10 grupos representativos del rock chiapaneco.

De ellos se ofrece en la contraportada del disco una imagen fotográfica, así como una pequeña semblanza, preferencias lingüísticas para cantar (algunos, como Sak Tzevul, lo hacen en español y en tzotzil), alineación instrumental, la canción con que han sido acoplados y contacto en Internet.

Fuente original: http://www.jornada.unam.mx/2010/12/21/espectaculos/a09n1esp